Ce qu’on laisse derrière » raconte une histoire si douloureuse que même son protagoniste, Dan, ne peut en parler. Mais lorsqu'un élément déclencheur l'oblige à affronter ses peurs, il creuse en lui dans l'espoir de guérir. Dès le début, on voit qu'il manque littéralement à notre protagoniste un morceau de lui-même, une large blessure mangeant la moitié de son cou. Ce morceau manquant symbolise ce qu'il a perdu lors d'un événement traumatisant. Il entreprend donc une quête pour retrouver cette pièce manquante de lui-même, dans l'aréna de son enfance où il jouait au hockey sur glace. Plus Dan s’enfonce dans les dédales du bâtiment désert et désaffecté, plus il doit faire face à des fantômes de son passé.

Le thème principal du projet est l’exploration du trauma et ses ramifications dans le temps, son impact sur le physique et le psychisme d’une personne et la nécessité d’y faire face pour guérir. Le film aborde les différentes formes de trauma: celui violent, évident, qu’on ne peut nier; et celui sournois, qui semble bénin mais qui nous ronge de l’intérieur. Nous explorons aussi la difficulté nécessaire à faire face au trauma, le défi lorsqu’on est seul à l’affronter, et la douleur/honte de ne pas être capable de passer par-dessus.

Le message du film est que lorsque de mauvaises choses se produisent, elles ne peuvent pas être complètement effacées, mais qu'il y a toujours un espoir de recommencer à mieux vivre. Dans ""Ce qu’on laisse derrière"", nous exprimons les sentiments de rage et de tristesse, mais aussi le courage qu'il faut pour affronter nos peurs et nous remettre sur les rails. Nous acceptons la vulnérabilité et la douleur qui vient lorsque l’on creuse à l’intérieur de soi. L’art est un vecteur essentiel pour exorciser les traumas, en nous permettant de les étudier à distance et d’exprimer nos émotions par personnes interposées. Nous voulons transmettre cette réalité psychologique à travers le film afin que ceux qui vivent une situation semblable s’y reconnaissent et, nous l’espérons, y trouvent une certaine aide.

Le projet est réalisé en animation 2D, dessiné image par image par ordinateur. Les prises de vues sont choisies spécifiquement pour évoquer les émotions du protagoniste à chaque scène : isolation, nervosité, prédation, peur, etc. Une emphase spéciale est mise sur la prise de vue « à la première personne » pour faire entrer le spectateur dans la peau de Dan et vivre ses émotions viscéralement. Le montage image vise à dévoiler progressivement aux spectateurs le trauma vécu par le protagoniste; à travers un montage lent et délibéré, parfois abstrait, ne révélant pas tout au premier abord, le spectateur partage le narratif de la « quête de soi » avec le protagoniste. L’environnement sonore est lui aussi introspectif, utilisant des ambiances et de la musique minimaliste, parfois ponctué de moment de violence, lesquelles mettent de l’avant la démarche cognitive du protagoniste.

Jean-Sébastien Hamel & Alexandra Myotte